http://www.michelherreria.com/Les travaux de Michel Herreriafr http://www.michelherreria.com/home.asp?id=248 2024-09-21 00:00:00 En 1568, Brueghel l'Ancien peint La parabole des aveugles, en référence au récit néo-testamentaire de Mathieu et Luc . Six personnages aveugles se suivent en se tenant par l'épaule. Le premier d'entre eux est déjà tombé. Dans sa chute, il va entraîner les cinq autres malheureux. La composition qui traverse le tableau dans une longue diagonale induit d'elle-même la chute inexorable de l'ensemble des personnages. A la fois Art Sacré et peinture de paysage, Brueghel représente la finitude des hommes dans un monde aux couleurs gris, brun, vert tamisé qui les enferme et les condamne au désespoir. En 1890, Maurice Maeterlinck écrit et fait jouer sa pièce Les aveugles, pièce en un Acte qui reprend la parabole, elle aussi, en introduisant dans le théâtre une nouvelle approche du récit : les comédiens censés « voir » où ils vont confient cette tâche au public qui, seul, assiste impuissant au désastre imminent. Ces deux références nous guident pour approcher les œuvres de Michel Herreria dans le contexte de son exposition Sans temps qui se déroule au Bois Fleuri de Lormont. « Sans temps » signifie à la fois l'histoire personnelle de Michel Herreria avec les Centres d'Arts de cette ville qu'il connaît depuis les années 80 ; « sans temps » signifie aussi que l'histoire de l’œuvre de l'artiste n'a de cesse de rassembler, période après période, des préoccupations similaires, déclinées comme autant de suites ou de variations d'un même projet de conversation avec les Maîtres anciens, avec le théâtre d'avant-garde et avec les enjeux les plus actuels de la représentation picturale. Le rapprochement avec le théâtre, ses machineries, son histoire scénographique, est incontestable : tous ses personnages naissent du fond abstrait des peintures sur bois du début de la décennie 1985-1995, auxquelles ils résistent par des postures chorégraphiques, erratiques, instables et qui prennent peu à peu le dessus en imposant une relative simplification des scènes, ou décors. Les fonds commencent d'abord par une certaine violence, des lignes se superposent et s'entrechoquent plus qu'elles ne s'entre-mêlent. La composition, héritée des grands abstraits espagnols de la second moitié du XXème, tous traversés par un sentiment contrarié entre la matérialité du support et un attachement persistant au symbolisme, ne cesse d'introduire les questions brûlantes de la condition humaine. Mais peu à peu, ce fond sévère s'adoucit au tournant du milieu des années 90 pour introduire de façon plus intense la présence de figures, de personnages, d'êtres en errance. Ce théâtre est celui de personnages comme ceux de Maeterlinck ou Beckett aux prises avec une logique de l'enlisement, de l'étouffement, de l'épuisement et de l'impuissance qui engendrent un entêtement absurde . Alors ce sont les gestes parodiques eux-mêmes – parodiques d'eux-mêmes – qui définissent les espaces. A partir des années 2000, ce sont vingt années de personnages clownesques, esseulés, égarés qui se succèdent de peintures en pastels et cartes à gratter. La série Les gangues du politique constitue peut-être la démonstration de ce basculement : les « aveugles » de Brueghel et Maeterlinck se manifestent de manière éclatante. Des malheureux, de pauvres hères, prisonniers d'une arène labyrinthique, plongés dans le noir de ce fond indifférencié. Ce noir intemporel – sans temps – des aveugles qui se suivent la main posée sur l'épaule et s'entraînent tous dans la chute, Baudelaire le décrit ainsi dans Les fleurs du mal : « Contemple-les, mon âme ; ils sont vraiment affreux ! Pareils aux mannequins ; vaguement ridicules ; Terribles, singuliers comme les somnambules ; Dardant on ne sait où leurs globes ténébreux. » Faut-il penser l'existence comme une absurdité de bout en bout ? Nous est-elle donnée comme à des aveugles de naissance qui cherchent une autre manière d'être au monde ? Les œuvres de Michel Herreria ne représentent-elles que cette condition humaine à la fois lucide et tragique ? Pas seulement ! Les personnages, même esseulés, même égarés, parlent et conversent pour survivre. Ils gesticulent, ils se révoltent. Dans l'engluement généralisé, ils s'insurgent et contestent à la fois leur monde et leur état. Bien qu'égarés, ils construisent des souvenirs, peut-être incertains, mais ils nous livrent des images que nous, spectateurs, regardons et révélons pour eux. Troisième aveugle-né. « Nous avons abordé par hasard La plus vieille aveugle. Je viens d'un autre côté... Deuxième aveugle-né. D'où venez-vous ? La plus vieille aveugle. Je n'ose plus y songer... Je ne m'en souviens presque plus quand j'en parle... il y a trop longtemps... il y faisait plus froid qu'ici La jeune aveugle. Moi, je viens de très loin... Premier aveugle-né. D'où venez-vous donc ? La jeune aveugle. Je ne pourrais pas vous le dire. Comment voulez-vous que je vous l'explique ? C'est trop loin d'ici ; c'est au-delà des mers. Je viens d'un grand pays... Je ne pourrais vous le montrer que par des signes ; mais nous n'y voyons plus... j'ai erré trop longtemps […]. » La série des cartes à gratter, initiée dans les années 90, décrit farouchement cette « situation » que Sartre affirme comme moment du choix et de la liberté. Dans l'égarement et le tragique d'une existence assombrie par les obstacles incessants, le choix s'impose comme révolte venant de soi : l'engagement est une condition existentielle. Vivre, parler, agir c'est s'engager dans un monde inconnu, dans des espaces incertains, dans des relations équivoques. Face à l'obscurité, le rayonnement de nos actions construit des lignes, des schémas par la force de nos désirs. Mais tout semble malgré tout un peu vain... Sans sombrer dans le désespoir, les personnages (ces anti-héros, histrions du quotidien) de Michel Herreria ne gesticulent que « pour la forme »... pour se sauver de l'effondrement. Si les Aveugles de Brueghel et Maeterlinck continuent d'avancer vers leur chute inexorable, ces personnages peints, grattés ou dessinés semblent tirer les leçons de l'histoire : ils parlent et assument une fixité qui est peut-être leur vraie place. Les derniers mots de Bartleby dans la nouvelle éponyme de Melville ne sont-ils pas dans la très belle adaptation cinématographique avec le troublant Michael Lonsdale et l'énigmatique Maxence Mailfort : « Je pense que vous savez, Monsieur, que nous ne nous reverrons plus. Je sais où je suis. » C'est ce « je sais où je suis » qui questionne. François Bon traduit ainsi les derniers échanges ainsi : – « Bartleby ! – Je vous reconnais, dit-il, sans même se retourner, mais je n’ai rien à vous dire. - Ce n’est pas moi qui vous ai amené ici, Bartleby, dis-je, peiné durement de sa suspicion implicite. Et pour vous, ce n’est pas un lieu si exécrable. On n’a rien à vous reprocher, pour vous maintenir ici. Et regardez, ce n’est pas un endroit si triste qu’on pourrait le penser. Regardez, vous avez le ciel, vous avez de l’herbe... - Je sais où je suis », répondit-il […] » Cette sentence est-elle chargée de la mélancolie baudelairienne avouée par l'auteur des Fleurs du mal : « Vois, je me traîne aussi ! mais, plus qu’eux hébété » renvoyant par là même à la situation du poète et de l'artiste ? Non, Michel Herreria sait où il est ; il n'est pas hébété. Cette sentence porte-t-elle l'ironie d'un Bartleby qui se joue de la pauvre description faite par son ancien employeur, comme dernière satire des autres et de lui-même ? Non, Bartleby n'est ni victime, ni à la distance qui rend le sarcasme possible ou légitime. Misons sur autre signification à la lumière des œuvres de Michel Herreria : ce « je sais où je suis » est enfin la réponse aux aveugles qui cherchent leur chemin ; elle est aussi la réponse de Mercier et Camier ; elle est aussi celle de Vladimir et Estragon... plus encore, elle est la réponse de tous ces personnages angoissés du roman moderne. Cette réponse est « Indolore », « Sans nom », « Qui répète l'histoire ? », titres des carnets à spirales de l'artiste, produits « sans temps » véritable, sans date, sans lieu, sans l'isolement silencieux de l'atelier, sans destin qu'il leur souhaite... « Je sais où je suis », donc : nulle part et partout simultanément ; sans errance ni destination... présent ici et maintenant, pleinement et absolument singulier. Unique et invincible. La chute des aveugles n'existe pas ; l'errance des identités incertaines n'existe pas ; la mélancolie des poètes et des artistes n'existe pas ; seul le signe, libéré de toute recherche, assumant la répétition sans jamais atteindre la saturation, comme un simple geste gratuit pris dans sa propre présence, autonome, autarcique, autochtone... démontre que l'immobilité est vraisemblablement la seule vérité qui vaille, la seule vérité « sans temps » dans laquelle toute gesticulation et tout mouvement – en peinture particulièrement – recherche l'arrêt au lieu propice. Jérôme Diacre ]]> http://www.michelherreria.com/home.asp?id=247 2023-04-27 00:00:00 Des plâtres au plus près de la terre. Des personnages au plus près du sol. Les œuvres de Michel Herreria proposent une étrange expérience : il semble que ses plaques de plâtre sont extraites de temps anciens, comme issues de fouilles archéologiques. Les aspérités, les morceaux manquants, les trous… racontent d’abord l’histoire d’une matière que l’on a exhumée, dévoilée, révélée ou bien inventée comme on dit à propos des trésors. Elles sont donc d’abord des curiosités inventées. La puissante dimension insolite surprend au premier regard. Les motifs sont indiciels : effacés, incomplets, formés de collages, d’incrustations, usés, grattés et tâchés par des macules colorées. Le plâtre et la terre se mêlent pour créer une expressivité sans époque, sans origine, presque mythologique… L’effet de fresques miniatures compte pour beaucoup. Fresco-secco, la méthode du plâtre peint est très ancienne. Michel Herreria connaît bien cette histoire et joue avec. C’est fini ce n’était pas un rêve je ne rêvais pas ça ni un souvenir on ne m’a pas donné de souvenirs cette fois c’était une image comme j’en vois quelque fois dans la boue comme j’en voyais On invente mais comment savoir imaginaire réel on ne peut pas ou ne dit pas quelle importance c’est important ça l’était ça c’est magnifique une chose Toutefois, si l’histoire de l’art et ses techniques sont importantes, les propositions de Michel Herreria reposent sur un faisceau d’autres motifs et mobiles. Le visiteur est conduit sur les chemins subtils et complexes de l’interprétation des signes. L’historien de l’art italien Carlo Ginzburg est peut-être le spécialiste contemporain du déchiffrement et de l’interprétation. Ses ouvrages et articles ne cessent de rappeler le rôle des « traces, signes et pistes » nécessaire à la compréhension et l’identification d’une œuvre d’art. Par cette série de plâtres, Michel Herreria invite le visiteur, le collectionneur, l’amateur à devenir tour à tour Sherlock Holmes et Sigmund Freud comme le suggère l’historien. L’analogie va même jusqu’à la médecine : « et, comme celle du médecin, la connaissance historique [des œuvres d’art] est indirecte, indicielle et conjecturale. »[1] . Et nous savons que le plâtre répare les os… Une voix humaine là à quelques centimètres mon rêve voire peut-être une pensée humaine si je dois apprendre l’italien évidemment ce sera moins drôle Dans le noir la boue a tête contre la sienne mon flanc collé au sien mon bras droit autour de ses épaules il ne crie plus nous restons ainsi un bon moment ce sont de bons moments Dans ce faisceau de signes donc, le témoignage le plus important est le titre de l’exposition Comment c’est. Il s’agit du titre éponyme d’un ouvrage de Samuel Beckett publié en 1961. Toutes les didascalies de ce texte, ici, sont des citations de l’ouvrage. « Comment c’est » – commencer – est donc d’abord un jeu de signifiants. Le récit de Beckett est une sorte de monologue sans ponctuation. Avant Pim, personnage étrangement absent qui est l’objet de tout le récit, pendant Pim et après Pim. Ce sont les trois parties qui structurent texte de Beckett. Avec cette exposition, Michel Herreria affirme de nouveau que les arts visuels sont aussi en mesure de produire une interprétation en images et en matières de textes littéraires. Une interprétation et non une illustration ; que cela soit clair. Le texte de Samuel Beckett est sans ponctuation. Il se compose d’une suite des blocs de textes qui se succèdent et se séparent grâce à un simple espace. Tout semble indiquer que la forme est celle de versets, de fragments ou de chants. De chants ou de cris, de râles peut-être… de murmures certainement. Les pâtres apparaissent comme des stations ou des cercles. L’art de la fresque que Michel Herreria admire tant chez Giotto fait partie des signes et des indices que le regardeur est invité à découvrir. Je ne distingue pas les paroles la boue les étouffe ou c’est une langue étrangère il chante peut-être un lied dans le texte original c’est peut-être un étranger J’entends dire moi encore le murmure dans la boue et suis encore du récit de Beckett. Ils sont en retrait – en réserve. Ces absences, comme dans le texte sans ponctuation, nécessite un certain travail de déchiffrement et de reconstitution. Ce sont des silhouettes, des profils, des membres qui surgissent des profondeurs du plâtre ou de la « boue » beckettienne. Imprécis, indéterminés, ils gesticulent et s’adressent d’éventuelles paroles imperceptibles. Que se disent-ils ? Des récit de rêves ou de cauchemars ? Parlent-ils de leurs enfermements dans des espaces, des scènes, des arènes qui délimitent leurs échanges ? La chose « est impossible à dire ». Que c’était forcément l’autre l’ancien dont elle me disait que je l’avais subi puis quitté pour aller vers Pim moi subi puis quitté pour aller vers son autre à lui D’ailleurs la chose semble impossible Aussi justes que le nôtre mais moins exquisement organisés L’exposition « Comment c’est » présente aussi une grande photographie murale de l’atelier de l’artiste. Le lieu de production des œuvres fait, lui aussi, son apparition comme le hors-champ indispensable. Il est peut-être l’ultime signe, trace ou indice pour comprendre les œuvres. S’il est surdimensionné, comme pour contraster avec la fragilité des œuvres, c’est aussi pour affirmer que l’atelier définit la production des œuvres d’art comme le bureau définit l’écriture. Ce hors-champ de l’atelier, habituellement secret, est dévoilé. Mais est-ce véritablement le dévoilement d’un secret ? On peut en douter. Il s’agit plus certainement d’introduire encore une autre dimension de signes et d’indices non moins énigmatiques. Mais dans le dialogue entre les œuvres et ce théâtre de l’atelier, un monde s’ouvre au regard. Ce monde est l’ensemble des fils tissés, noués, tendus entre les détails de part et d’autre. Au centre de ce maillage, le visiteur construit son propre récit… son rythme et sa langue, avec ou sans ponctuation. Jérôme Diacre 2023]]> http://www.michelherreria.com/home.asp?id=245 2022-10-18 00:00:00 (...)Dans le palais des glaces, ce sont maintenant les reflets à l'infini qui se mêlent au sentiment d'enfermement. Alors que l’homme tente d'échapper à celui qui veut l'abattre et rompre avec celle qu'il aime, les coups de feu brisent les miroirs et l'absence de repère accroît la confusion des espaces.(...)Extrait Jérôme DIACRE]]> http://www.michelherreria.com/home.asp?id=246 2022-09-20 00:00:00 -]]> http://www.michelherreria.com/home.asp?id=244 2022-01-05 00:00:00 « Rid’œil » , Impression sur tissu, 11 m x 3,66 m, 2020 . Michel Herreria Ce rideau est un double clin d’oeil d’une part à l’architecture de la MECA et aux activités des trois agences régionales et d’autre part une traversée catalogue de trente années de collaboration avec Didier Vergnaud, fondateur de l’Affiche littéraire et artistique . Éditions de le BLEU du CIEL. « Rid’œil » , Impression sur tissu, 11 m x 3,66 m, 2020 . Commande partagée entre ALCA et les éditions le Bleu du CIEL. ]]> http://www.michelherreria.com/home.asp?id=243 2021-06-18 00:00:00 Les œuvres de Michel Herreria apparaissent d’abord sur ce fond noir, pas totalement opaque, mais mat et dense, parfois comme une sorte de quadrillage en nuances de gris. De là, les personnages prennent place, se distinguent par une ligne blanche, rarement claire. Les profils comme les gestes sont vibratoires, hésitants, imprécis. Les personnages eux-mêmes sont troubles, doubles, triples... ils se confondent. Ils regardent autour d’eux, lèvent la tête pour observer ou écouter. D’autres, plus imposants mais plus imprécis s’adressent à eux en se penchant. Grosse tête qui parle à de plus petites. Jeu de domination, d’informations qui circulent, d’injonctions, prescriptions, sermonts prononcés... Théâtre du quotidien, arêne de travailleurs envahis par un « impitoyable esprit de sérieux » dont Theodor Adorno (Minima moralia) rappelle qu’il soutient le déploiement d’« activités de façade ». Michel Herreria de cesse de superposer des plans, plan colorés qui entourent et divisent de sombres acteurs. Activités de façade, de médiations, de médiations de médiations... La vie moderne ; notre vie moderne. Et puis viennent les couleurs dont on pourrait dire qu’elles appartiennent à celles du Moyen Âge. Cette vivacité qui se détache d’un fond inexorablement noir est saisissante. Elle rappelle les enluminures, miniatures de scènes figurées, d’images insérées, cartouches et bandeaux. Le rouge, le bleu, l’orangé et le vert dominent. Respectivement oxyde de plomb, l’oxyde de cobalt, le mercure, l’arsenic, le cuivre... toute une chimie dont Michel Herreria reprend les codes. Les peintures sur papier de Michel Herreria déroulent des espaces infinis, dont « le centre est partout, la circonférence nulle part » comme l’écrit Pascal (Pensée I). Personnages en prise avec leurs vaines prétentions, soumis à des injonctions qui relèvent de leur propres imaginaires, se débattant comme de pauvres diables dans le magma inconsistant de la réalité sociale... cette étrange satire qui nous est présentée ici ressemble à une suite de stations, stations de nos passions, de nos errances quotidiennes. « Effranger le monde », c’est laisser couler, ruisseler depuis les miniatures qui se dispersent comme des centres perdus dans un espace infini... jusqu’au bord du plan ou de la page. Peindre c’est écrire, écrire c’est aussi peindre d’une certaine façon. C’est en tout cas ouvrir les pages d’un étrange roman, roman moderne dont le héros, face au monde infini, n’a plus que ce seul tourment « de la créature condamnée à être seule et qui se consume en quête d’une communauté » (Lukacs, Théorie du roman). Jérôme Diacre]]> http://www.michelherreria.com/home.asp?id=242 2020-06-01 00:00:00 -]]> http://www.michelherreria.com/home.asp?id=241 2019-09-18 00:00:00 Avec Atelier van Wassenhove, Nina Beier, Karina Bisch, Théophile Blandet, Nicolas Boone, Marcel Broodthaers, Maurizio Cattelan, Etienne Chambaud, Bastien Cosson, Eric Croes, Jean Derval, Nathanaël Dorent, Simon Dybbroe Møller, Diego Giacometti, Eileen Gray, Michel Herreria, Agata Ingarden, Cooper Jacoby, Tarik Kiswanson, Max Lamb, Marie Lund, Robert Mallet-Stevens, Martinez Barat Lafore Architectes, Mélanie Matranga, OrtaMiklos, Julien Monnerie, Cécile Noguès, Christopher Orr, Rikkert Paauw, Gaetano Pesce, Studio Anne Holtrop, Naoki Sutter-Shudo, Oscar Tuazon, Octave Vandeweghe, Raphaël Zarka, expressions naturelles, céramiques d’une collection privée Commissaire de l’exposition : Benoît Maire Scénographie : Ker-Xavier L’artiste Benoît Maire est invité à l’automne 2019 en tant que commissaire au Plateau pour concevoir une exposition collective. Benoît Maire propose une exposition rassemblant artistes, designers et architectes, qui envisage, à partir de leurs modalités d’usage, les rapports de l’art au design et à l’architecture et réexamine le postulat selon lequel les arts sont libres et les objets de design sont contraints — du fait de leur utilité fonctionnelle. Le titre de l’exposition Foncteur d’oubli, en référence à une opération mathématique qui déplace les objets d’une catégorie à une autre en « oubliant » certaines de leurs propriétés, évoque ici la porosité existante entre objets d’art, de design ou d’architecture et le basculement qui peut s’opérer d’une classification à l’autre, notamment au regard de ce principe de fonctionnalité. À partir des designers et architectes liés au mouvement moderniste, tels qu’Eileen Gray ou Robert Mallet-Stevens, alliant recherche esthétique et exigence de fonctionnalité dans une quête d’oeuvre d’art totale et de leur influence sur de nombreux artistes contemporains empruntant à ces avant-gardes historiques du XXème siècle, l’exposition révèle la perméabilité des disciplines et met en scène leurs correspondances à travers une scénographie à dimension très architecturale signée Ker-Xavier. Les jeunes designers présents dans l’exposition mettent l’accent sur la dimension créative du design et le caractère unique et non-reproductible de certaines pièces, qui, dès lors, s’apparentent à des oeuvres d’art. De leur côté les artistes s’intéressent aux objets de notre quotidien, brouillent les frontières et mettent en exergue l’ambiguïté de notre relation aux biens de consommation (Simon Dybbroe Møller, Nina Beier), s’attachent à la dimension fonctionnelle ou décorative de l’oeuvre et à son rapport à la production sérielle ou à l’artisanat (Karina Bisch, Eric Croes), ou encore questionnent la nature de l’oeuvre d’art et sa relation aux objets naturels (Etienne Chambaud), en examinant notamment la récurrence des formes dans l’histoire de l’art (Raphaël Zarka). De même, les architectes portent leur attention sur l’expérience de la matière, transposant leur réflexion sur l’espace public à la sphère privée et aux usages de la vie quotidienne. Qu’ils soient contemporains ou historiques, les objets réunis dans l’exposition sont réalisés par des créateurs qui portent un même intérêt à la matière et au signe.]]> http://www.michelherreria.com/home.asp?id=239 2018-11-08 00:00:00 L’univers de Michel Herreria est peuplé de figures, de personnages, où se mêlent des gestes maladroits, des accidents inféconds ou d’étranges fascinations pour des objets du quotidien… comme en une sorte d’aventure humaine à mi-chemin entre l’étude entomologique et la chorégraphie de spectres étranges et attachants. La couleur est profonde et intense ; elle structure les espaces et les formes. Les lignes, faussement claires, parfois comme en réserve, tracent les pourtours de corps et d’actions indécis. Règne un climat de parodie dans une arène de malheureux indolents. Pour cette exposition à la Galerie Eponyme, Michel Herreria joue avec les échelles et sollicite la précision du regard. Entomologiste : une série de 45 « grandes peintures de petits formats » présentent un ensemble de situations dans lesquelles les espaces et les corps surgissent par l’intensité de la couleur. Chorégraphe : 9 peintures sur papiers marouflés proposent une expérience plus théâtrale où des corps, des figures s’animent pour un balai dérisoire et mélancolique. Des expérimentations de pliages jalonnent et ponctuent l’exposition : espaces scéniques fixées au mur où se révèle la fragilité et l’élégance d’un jeu de dessins en ombres portées. Contes philosophiques, peintures pariétales, études pour dispositifs scéniques… les œuvres picturales de Michel Herreria procèdent d’un langage qui murmure plus qu’il ne signifie, qui chantonne plus qu’il ne proclame. Jérôme Diacre]]> http://www.michelherreria.com/home.asp?id=238 2018-11-03 00:00:00 Commissariat: Jérôme Diacre L’exposition autour du Dépeupleur de Samuel Beckett propose de confronter un texte, une écriture, avec des univers plastiques. Beckett est un choix qui correspond à une atmosphère générale dont on peut légitimement dire qu’elle souligne tout à la fois notre présent, sa réalité et les fictions qui le traversent. Incipit du texte : « Séjour où des corps vont cherchant chacun son dépeupleur. Assez vaste pour permettre de chercher en vain. Assez restreint pour que toute fuite soit vaine.» Dessins, peintures, photographies, vidéos et installations reprennent cet univers de corps à la dérive dans un espace contraint. Pierre Besson Jérémie Bruand Bernard Calet Franck Charlet Sammy Engramer Michel Herreria Olivier Nottellet Silvana Reggiardo]]> http://www.michelherreria.com/home.asp?id=237 2018-10-28 00:00:00 Le miroir d’horizon est une image matérielle. C’est une invitation pour notre oeil à rebondir vers le ciel à plonger en haut. Les anciens traçaient dans l’air un cadre et lisaient l’avenir dans le vol des oiseaux au sein de ce temple imaginaire. L’invention de Michel Herreria fait descendre cette figure des nuées. L’image matérielle du miroir et l’image formelle glissent l’une sur l’autre, l’une dans l’autre. Nous sommes là à essayer de saisir cette géométrie incertaine et toutes les féeries qui s’y jouent. C’est une machine à rêveries, à illusion, qui vient trouer littéralement l’image reposante du lieu et crée une incertitude dans la perception de ce bel agencement. Un trouble qui ravive ce que par habitude nous ne savons plus voir et rend tangible ce que pourtant on ne voit pas. Commissaire : Jean-François Dumont ]]> http://www.michelherreria.com/home.asp?id=240 2018-10-09 00:00:00 Ensemble de 5 peintures]]> http://www.michelherreria.com/home.asp?id=236 2018-07-13 00:00:00 Deux carnets, papier blanc crème-dessins feutre noir-noir et blanc-15X20cm. Exposition collective d'artistes qui ont dans leur pratique régulière l’usage du carnet. En partenariat avec: Réseau documents d’artistes (reseau-dda.org) Fondation genevoise Pacifique (fondationpacifique.ch) Le Grütli - Centre de production & de diffusion des Arts vivants (grutli.ch)]]> http://www.michelherreria.com/home.asp?id=235 2018-02-12 00:00:00 Exposition : la production de prototypes d'affiches animées - courts films d'animation de dix secondes dans lesquels le son est remplacé par des textes littéraires - et de dessins numériques qui seront diffusés sur le grand écran du Hall de l'Arsenal sous le titre "Droit des perchés". Produites par l'Université Toulouse Capitole et les éditions le Bleu du ciel, avec l'artiste Michel Herreria et Didier Vergnaud (directeur du Bleu du ciel), ces oeuvres numériques inédites puisent leur inspiration dans les travaux de recherche en sciences sociales menés au sein de l'Université Toulouse Capitole, dans son magazine scientifique Comprendre pour entreprendre et dans les rencontres fructueuses avec deux juristes du campus, Céline Castets-Renard (IRDEIC) et Mathieu Touzeil-Divina (IMH). Elles viennent ainsi opérer un échange entre les chercheurs de l'université, les poètes et les plasticiens, enrichissant l'interface Art et Sciences. En collaboration avec le Collectif Sapin.]]> http://www.michelherreria.com/home.asp?id=232 2017-09-12 00:00:00 Le critique d’art Jérome Diacre écrit à propos de son oeuvre « D’une manière ou d’une autre, les personnages de Michel Herreria semblent égarés dans un lieu qui ne leur est pas propice, mènent des actions dont le sens paraît leur échapper, se rassemblent péniblement autour de leur propre division.../…les agissements sont de courte portée ; l’espace est restreint et les mouvements des corps circonscrits par des gestes simples. » Dans ces trois toiles qui explorent notre rapport à la démocratie, il n’y a « pas de velléité à écrire de nouveaux systèmes ou de grands livres » mais se fait jour l’idée d’une « conscience du commun », peut-être laborieuse. « Comment nous situer les uns par rapport aux autres dans une confiance réciproque ? » demande l’artiste. « La question de l’espace démocratique est liée à la capacité d’une société à construire un haut niveau d’espace critique partagé », avec toutes les ambiguïtés de l’espace commun et de la parole démocratique. Sous-jacente, la question des œuvres devient alors celle de la démocratie même dans sa crise actuelle. Dès lors demandent-elles : « Comment régénérer une manière de co-construire ? »]]>